Barcelona Metropolis

El arte urbano incomoda, provoca y transforma el espacio público, generando debates intensos sobre su legitimidad. ¿Es vandalismo o expresión artística? En Barcelona, esta controversia ha marcado décadas de intervenciones en las calles, desde la llegada del grafiti, en los años ochenta, hasta la institucionalización del street art actual. Un recorrido lleno de anécdotas, prohibiciones y resistencias y una eterna lucha por conquistar las paredes de nuestra ciudad.

Siempre se ha dicho que las grandes lecciones de la vida se aprenden en la calle. El arte urbano lo demuestra perfectamente porque es un fenómeno social que incomoda, desafía y transforma las ciudades de formas inesperadas. Para algunos sectores críticos de la sociedad, estas “pintadas” son una muestra inequívoca de vandalismo que mancha el espacio público. Para otros sectores, estas “obras de arte” son una expresión artística fugaz y transgresora que surge de la nada para agitar las conciencias más acomodadas y poner una nota de color en la vida gris de miles de personas. Como es evidente, la polémica está servida.

Esta división de opiniones forma parte de la esencia del arte urbano desde sus inicios en el decadente Nueva York de los años setenta, y ha contribuido a que se mantenga vigente en el imaginario colectivo, independientemente de modas y tendencias. Se trata de una paradoja fascinante que ha generado muchas reflexiones porque las críticas, prohibiciones y sanciones que han intentado frenar este movimiento en las últimas décadas en varias ciudades también han contribuido a nutrir su leyenda y han consolidado a algunos artistas como estrellas mediáticas.

La controversia está a la orden del día porque, por cada mural que se elimina en algún rincón del mundo, surge uno nuevo que sigue amplificando las verdades que los telediarios no se atreven a poner en los titulares, por efecto de los lobbies políticos y económicos. Además, las redes sociales han logrado lo que parecía impensable: convertir en global un fenómeno local. Hoy no existen fronteras para el arte urbano y cualquier mural puede dar la vuelta al mundo en cuestión de segundos antes de desaparecer para siempre. La eternidad inmortalizada gracias a millones de likes.

Estas contradicciones han acaparado todo su protagonismo y han acabado eclipsando la propia experiencia artística. La ecuación es simple: cuanto más prohibido, más exitoso. Por eso, a nadie le extraña que muchos artistas que empezaron pintando en las calles de forma clandestina hoy coticen al alza en las galerías de arte más importantes y protagonicen exposiciones en museos de primer nivel. Seamos sinceros: en esta sociedad tan frenética y efervescente, ¿qué papel tiene el arte urbano cuando ha sido absorbido y domesticado por el sistema? Para tratar de encontrar una respuesta a esta pregunta, no hay mejor ciudad en la que poner el foco que Barcelona.

Cuando el grafiti aterrizó en Barcelona

Esta historia de amor y odio se remonta a mediados de los años ochenta, cuando el grafiti aterrizó en las calles de la capital catalana. Para algunos llegó tarde y desvirtuado. Para otros, fue el momento adecuado, porque las sombras de la dictadura y los claroscuros de la transición empezaban a dejar espacios de libertad. En esa época, los barrios del centro olían a orines de perro, a aerosol sobre las paredes y a prostitución (no siempre en ese mismo orden). Eran tres elementos que formaban parte del paisaje urbano y se había alcanzado un equilibrio basado en lo cotidiano.

Haring eligió una de las paredes donde cada mañana se amontonaban más jeringuillas y que, además, le recordaba a los barrios degradados de Nueva York donde había empezado a pintar. Esta obra, con la inscripción en español “Todos juntos podemos parar el sida”, se convirtió en uno de los primeros hitos reivindicativos del arte urbano en nuestra ciudad, aunque el edificio donde se encontraba el muro no tardó en ser derribado por un plan urbanístico. Más allá de la nostalgia, esta intervención demostró a los artistas locales que sus grafitis podían estar más comprometidos con la sociedad. La semilla que se había plantado años antes estaba a punto de dar frutos, aunque por el camino se vivirían muchas sorpresas.

La primera no tardó demasiado porque, a principios de los noventa, Barcelona empezó a mutar para convertirse en la sede de los Juegos Olímpicos de 1992. Pasqual Maragall, el alcalde del PSC que obró el milagro olímpico, tenía claro que aquello era una oportunidad perfecta para realizar una limpieza en los barrios, construir nuevas infraestructuras públicas que pusieran la ciudad al mismo nivel que otras capitales europeas y, sobre todo, para abrir Barcelona al mar y aprovechar el potencial turístico de las playas.

Visto en perspectiva, las Olimpiadas fueron la entrada triunfal de la modernización en nuestro país y supusieron un giro hacia una mentalidad más cosmopolita que nadie había pedido, pero que, aparentemente, todo el mundo necesitaba. También fueron los años de la campaña “Barcelona, ponte guapa” (dirigida a fomentar la rehabilitación de edificios y otros elementos arquitectónicos), que contribuyó decisivamente a posicionar la ciudad como un referente internacional del diseño, de la moda y de la creatividad.

El arte urbano (todavía bajo la alargada sombra del grafiti) convivió con estos cambios sociales, urbanísticos y económicos gracias a la falta de regulación y a la libertad que imperaba en las calles. El Ayuntamiento estaba demasiado ocupado con sus estadios, sus piscinas y su paseo marítimo para prestar atención a los jóvenes que pintaban en los muros de los edificios que se derruían para construir equipamientos públicos. Nadie era consciente de que se estaba consolidando un movimiento artístico a ritmo de hiphop que veía la ciudad como un cuadro en blanco en el que plasmar las inquietudes y contradicciones que florecían bajo el pavimento de las calles.

Entonces, la capital catalana se convirtió en un referente, rivalizando con Nueva York en cuanto a la importancia de sus murales. Artistas como Os Gemeos, WK Interact, Miss Van, Jorge Rodríguez-Gerada, The London Police, Invader, Faile, Suso33 y Mark Bodé plasmaron en las paredes del Raval, el barrio Gòtic y el Poblenou las realidades sociales que vivían los ciudadanos. Sus creaciones ponían el foco en temas controvertidos que no solían aparecer en las portadas de los periódicos, como el racismo, la violencia, la homofobia, la oposición a guerras imperialistas, la especulación inmobiliaria, el capitalismo salvaje, los efectos negativos del turismo de masas e incluso los problemas de la incipiente ola de gentrificación.

Esta época dorada y mitificada, de la que se han escrito libros y se han producido documentales, terminó de forma repentina con la entrada en vigor de la ordenanza de civismo de Barcelona a principios de 2006, con los votos a favor del PSC, Esquerra Republicana y Convergència i Unió; la abstención del PP; y los votos en contra de Iniciativa per Catalunya (ICV-EUiA). El objetivo de esta controvertida norma era defender la convivencia en el espacio público de la ciudad, y se hizo efectiva con sanciones a prácticas incívicas, como la venta ambulante, el consumo de bebidas alcohólicas en la vía pública, la prostitución, la mendicidad y la degradación del entorno urbano con publicidad, carteles y pintadas. Para algunos era una forma de acabar con los “inconvenientes” de convivencia que se arrastraban desde hacía años. Para otros significaba centrarse en las consecuencias, no en la raíz de los problemas. Una vez más, la polémica estaba servida y se vivía en las calles.

La primera evidencia fue la prohibición del arte urbano, y las denuncias se multiplicaron. Sin embargo, las multas no pudieron frenar ese movimiento porque ya formaba parte de una ciudad globalizada que mutaba periódicamente, pero que se resistía a perder su esencia. Las autoridades y los políticos creían que podían mantener a los perros atados para que no orinaran en las esquinas, que podían sancionar a los artistas para que no pintaran en las paredes y que podían cambiar de ubicación a las prostitutas para que no molestaran a los turistas, que ya se contaban por millones. Pero fue un sueño imposible.

De la actividad ilegal a las galerías de arte

La penalización tuvo el efecto contrario, porque entonces se crearon guetos urbanos, se amplificaron los problemas de convivencia, se generaron mayores desigualdades sociales y, sobre todo, se favoreció la clandestinidad. El caso del arte urbano fue bastante controvertido, porque los propios artistas que intervenían de forma ilegal las paredes de la ciudad vendían después las obras por miles de euros en galerías de arte. La prohibición fue la mejor publicidad para llegar a las masas y obtener un beneficio económico, aunque esto hizo que mucha gente se cuestionara por primera vez la validez reivindicativa de sus mensajes.

También destacan espacios y asociaciones autogestionadas, como los jardines de las Tres Xemeneies, en el Poble-sec, y la Nau Bostik, en la Sagrera, que se han consolidado como puntos de encuentro para artistas locales e internacionales. Estos lugares no solo permiten la creación de murales de gran formato de forma legítima, sino que también fomentan el diálogo entre la comunidad y los creadores, lo que hace que el paisaje urbano se transforme en una galería de arte al aire libre.

Seguramente este es el equilibrio que pretendía conseguir Keith Haring en 1989, cuando hizo su famoso mural contra el sida, que, precisamente, se recuperó en febrero del 2014 a partir de un calco del original en un muro que da a la plaza de Joan Coromines, en el Raval, con la complicidad de la Keith Haring Foundation, el Ayuntamiento de Barcelona y el MACBA. Como era de esperar, este gesto institucional volvió a poner el arte urbano de la ciudad en el mapa internacional, aunque los muros de Barcelona nunca habían dejado de gritar verdades incómodas.

Actualmente, en nuestras paredes se siguen reflejando las contradicciones de una ciudad que se transforma, se rebela y se deja domesticar sin previo aviso, aunque algunos barrios sigan oliendo a orines de perro y de prostitución (quizá, en este mismo orden). Como suele decirse en estos casos, nada es perfecto y quizá nunca lo sea cuando hablamos de costumbres, de identidad y de pintadas en las paredes.