Dice Verónica Navas que Hasta agotar existencias (Ensayando para que la muerte de mí madre no me pille desprevenida) es un espectáculo que puede llegar a "adolescentes y adultos que quieran dialogar con una visión particular sobre la pérdida, expresada con un lenguaje escénico contemporáneo, poético y directo con ternura, picaresca y alguna gota de amargura". Es decir, es un espectáculo que puede llegar a cualquiera con ganas de descubrir y de arriesgarse, de sentarse en su butaca y dejar que le sorprendan, que le atrapen, que le ayuden a reflexionar. ¿Estáis dispuestos? Por si alguien todavía lo duda, Verónica Navas, la autora y quien defiende el espectáculo desde el escenario, nos explica cómo ha sido el proceso de creación.

-¿Te motivo la necesidad de hablar de la relación con la madre y de su presencia/ausencia?
-La relación con la madre ausente vino a posteriori y sirvió para vehicular una serie de deseos expresivos y de temáticas relacionadas con una visión del género sobre el cuerpo y la mujer que quería explorar. Una pequeña anécdota (real!) familiar hizo que todo cuajara en este supuesto loco u obsesión en torno a la muerte inminente de la madre, y el puñado de estrategias-almohada para amortiguarla.

-¿Cómo te planteaste la estructura del espectáculo?
-La estructura surgió en la sala de ensayo, más bien como consecuencia que como resultado de una planificación. Partía de la necesidad y las ganas de trabajar con materiales audiovisuales (vídeos, grabaciones sonoras, fotografías y otras imágenes de archivo o generadas ex professo) y de interrogarme, durante la creación, sobre cómo interaccionaban con el directo de la convocatoria, con la acción teatral y con la lectura, recepción y respuesta que el público hace y devuelve, respectivamente. Por otro lado y desde una perspectiva externa, la pieza está construida en bloques de contenido encadenados: diferentes escenas que tratan la relación madre-hija, la construcción de una misma como mujer, la herencia social y de género, los estereotipos y los anhelos, la incorrección política o la oportuna (carencia de) precisión de la lengua para definir el entorno y los sentimientos. Todo se explica con el caos que es, a menudo, el hilo de pensamiento, sin una lógica narrativa explícita; pero, escena tras escena y a medida que se suman, se genera una imagen macroscópica, un relato personal.

-¿Cómo definirías el lenguaje que utilizas? ¿Partiste de una investigación de la forma o fuiste a buscarla porque era la manera de explicar lo que querías explicar?
-El fondo de aquello que se explica y la forma (el qué y el cómo) son lo mismo y, por eso, busco complicidad entre  uno y otra, siempre en interacción con el público, con el directo del aquí y el ahora y con las formas artísticas contemporáneas. En mi práctica diaria me interesa mucho el trabajo de collage documental (con el registro, el rastro, la copia...). Aun así, y de manera natural, las ideas de pérdida, recuerdo o imitación están muy ligadas a los registros (fotos, vídeo) y, por eso, la presencia de estos en en Hasta agotar existencias facilitó la construcción de la dramaturgia. La sensación de álbum de recortes familiar está presente.

-¿La mezcla de lenguajes surió de manera natural? ¿Esta hibridación de lenguajes es clave para atraer a nuevos públicos al teatro?
-Mi formación académicaparte del audiovisual y las artes escénicas como respuesta al deseo de aprender aquello que desde pequeña me fascina. Siempre he entendido cualquier tipo de reunión de público dentro del ámbito artístico ―aunque fuera en una sala de cine con una película grabada o en un museo con piezas que no mutarán al día siguiente― como una convocatoria en directo en la que una serie de personas comparten espacio y tiempo voluntariamente. Es la investigación en el aquí y ahora del hecho de compartir algo al mismo tiempo y de hacerlo voluntariamente, lo que me atrae. Desde mi punto de vista, elaborarlo escénicamente con lenguajes audiovisuales, que son los predominantes en este el espectáculo, sólo tiene sentido en interacción con la acción directa y con la complicidad (explícita o no) del público.

- Este trabajo nació durante tus estudios en el Institut del Teatre, ¿que supuso ganar el premio IT Talento?
-La pieza fue el resultado de nueve meses de trabajo continuado dentro de una asignatura de cuarto curso, Prácticas de escenificación. El acompañamiento académico fue esencial; con la ayuda de un tutor pude desarrollar el trabajo desde la investigación y el cuestionamiento constante, pero siempre a favor del deseo, del desarrollo de una gramática y de un lenguaje escénico propios.